April 30, 2009
{ photo } metaphor＊午夜婚紗
不懂婚紗的假人為何上金漆？
>> camera >> Pentax K10D
>> lens >> smc Pentax-DA 21mm f3.2 LE
>> file >> RAW - ISO 800 use Lightroom 2
April 28, 2009
{ option } 必推薦＊Koichi Inakoshi 稲越功一
＊ 稲越功一 這片1994年出版的CD-ROM写真集，是我理想中的旅遊攝影形式
>
這個月有空的時候，都在重新觀看自己拍過的照片。我們經常可以，從以往沒有挑出所遺留下來的照片裡，看到某些有意思的影像或者意圖...
然後重看七年前在希臘拍攝的正片與印樣，我試圖放掉以前製作的那個版本所留下的印象，但可得到的東西還是不夠足以我重新製作新的希臘印象... 雖說現在我比較清晰地知道我當時所感受到的東西，但因為年輕時對於好照片的 價值 比較僵化，所以即使我現在覺得可以做出更好的版本，但因為我當時攝影觀念的框框，讓我錯失許多現在才認為需要按下快門的瞬間。
對於旅行並不是那麼熱衷，除非生活面臨到一種非出去旅行的狀態下，我才會想出門... 所以我下面對於旅遊攝影的想法，僅僅是我自己如果要拍攝旅遊攝影時，認為所需要的提醒。
我一直是相信 作者論 這個想法，從我開始看電影後，我一直被這觀念所影響。不論我聽音樂、或是學習攝影，我總是著迷於個人意念強烈的作者，比起Bresson，我更著迷於 Bravo、Kertész 或是 Atget ... 直到發現上課時所解析的 Robert Franks 的 The American，這真是 紀實攝影 與 私寫真 的完美結合。
談旅遊攝影談到攝影大師是有點離遠了，但是 Robert Franks 的 私 攝影是我認為自己對於旅遊攝影最核心的偏好。
旅遊攝影通常會有二種觀點去切入，一個是像國家地理雜誌那樣客觀的觀點去拍攝，給讀者傳達一種較為客觀、全面向的方式透過照片來理解這個地方；而另一種方式是以私人的視點去觀看這個地方，他所傳達的是作者本人在那個時間空間所感受到的人事物，以一種非常個人的方式去呈現。
旅遊攝影以哪個觀點去切入會比較好？這是一種影像價值的選擇，而非好壞對錯的問題...
這麼多年讀到的一些旅遊的專題或書籍，除了 王嘉菲 在印度的影像（不過文字似乎非她自己撰寫，所以與其說是旅遊文章，不如說她的印度影像已經自成一個完整的 私 旅遊攝影），我唯一被感動到的 旅遊攝影 書籍就只有 日本之路（我想，寫得好的中文書或中文翻譯書一定不少，只是我自己較少閱讀的原因）。
讀了一些有關 私 旅行的書籍，我總是喜愛這些書裡所描述的細節與氛維，但每次看到所搭配的照片，總是認為有所扣分，這裡的扣分並非說照片拍攝的不好（或者說其實是拍得太好），而是這些照片所呈現的，是一種過於客觀描述的影像，也就是說，這些照片本身似乎是為了輔助說明這篇文字所存在，而沒有與文字混成同一種氣味。
日本之路這本書就不同，有時書本裡挑選的照片難以辨認它的客觀描述，但它卻很好地與文字融為一體，但日本之路這本書的影像，畢竟依存於文字本身太過於深，我們比較無法從裡面學習到拍照時所必須注意到的什麼...
我想要推薦希望拍攝 私 旅遊攝影，或是撰寫 私 旅遊書的朋友來研究一下 稻越功一，因為這片光碟應該買不到了，所以我挑選了較多照片給大家參考，並無任何侵權之意，僅僅是想紀念他的去世，讓大家多了解這位台灣少人介紹的攝影家。
攝影師在面對某些風景，關於是否按下快門的判斷，稻越功一 給我很多 私 攝影的提醒！
本光碟裡分為12個主題，每個主題約有十幾到二十幾張的照片，我每個章節挑三張縮小尺寸，僅僅為了分享與紀念。
PS1. 稻越功一當年應該是使用 Canon F-1
PS2. 稻越功一有與村上春樹合著一本 波の絵、波の話，看封面是採用這光碟裡的作品，就不知道其他的照片是否與光碟裡的相同... 為何村上的這本書沒有中文版啊！！！
>
Face of Summer
-
01> Come Light, Come Wind
-
02> The Passing Hours
-
03> Letters from Afar
-
04> Summer Blue
-
05> The Face of God
-
06> Eyes in the Sky
-
07> Nature Morte
-
08> White Sand, White Horizon
-
09> Cloundy Sky & City Streets
-
10> A Glace in Passing
-
11> Home to Sea
-
12> The Sweet Season Passes
>
僅僅紀念這位影響年輕時的我深遠的攝影家
写真家／稲越功一ウェブサイト
April 27, 2009
{ photo } entre_vues＊玫瑰
製造出來的玫瑰
>> camera >> Pentax K10D
>> lens >> smc Pentax-DA 21mm f3.2 LE
>> file >> RAW - ISO 800 use Adobe Lightroom 2
April 26, 2009
{ photo } metaphor＊意味著
柱子下面弄個金龜，意味著什麼？
>> camera >> Pentax K10D
>> lens >> smc Pentax-DA 21mm f3.2 LE
>> file >> RAW - ISO 400 use Lightroom 2
April 23, 2009
{ option } 學習攝影創作怎麼選擇第一台相機？
＊Pentax 67 與 SE K770i
這個題目，是我一直想要書寫，但很難決定如何寫的一個題目。
老實說，網路上一堆的開箱文與使用心得，在我看來，經常會誤導一些想學習 攝影創作 的初學者，但我又很難去說明哪一台相機適合作為入門。原因在於，相機每年都有新機種的推出，每個相機廠商各有起落。
由於最近我又在考慮重整相機系統，我一直在想，這二年照片拍少了，是不是換了K10D龐大身軀的原因呢？又或許我即使換了小型的K-m，拍的照片還是會減少呢？因為我拍照的習慣與主題也跟著改變... 我想跟著這樣的思路，應該可以寫點什麼，關於給想要進入攝影創作的朋友一些選擇相機的想法！
我要先強調的是，這篇文字是寫給想要進入 攝影創作 的入門者，而這篇文字並不是要教如何做攝影創作（我也沒這個能耐），只是希望能給想要做攝影創作的入門者一個 後盾。
我說的 後盾，是因為我發現一些想要從事攝影創作的朋友，明明他拍的照片很好，他對於相機的觀點沒有問題，但往往要開始進階選擇數位單眼相機時，就被網路氾濫的開箱文與使用心得所影響，開始偏往玩相機的岔路去了！
所以，我想與其建議選擇哪一台相機，不如傳遞一種觀念，給那些看了一堆開箱文與使用心得，在買相機前搖擺不定、在買相機後疑神疑鬼的朋友，一個我認為在學習攝影創作時，在面對選擇相機時，比較合適的角度來看相機這件事情。
>
最近Fujifilm出了一台6x7/6x6可切換的蛇複式中型底片機 - GF670，可說是很接近我理想中的相機，因此我也重新檢視了自己攝影作品的需求與相機配備！得到的結論是，這世上沒有一台完美的相機..
如果要我來描述我理想中的相機，大概要有二台 -
1>一台搭配Pentax FA 35mm光學的135片幅1.2x-1x的隨身數位機，可作HD畫值錄影
最好是用Contax的T3的外觀與尺寸，放進Pentax FA 35mm這棵透明清晰色調的鏡頭設計，片幅大小大概是135片幅裁切掉1.2或是全幅尺寸（這樣視角可以控制在135片幅約35mm-40mm的鏡頭），採用類似K10D 22bit的色階處理技術，可拍高畫質RAW檔，其他高階的處理技術可以略過（因為電腦處理的可以做得更好），電子化方面只需要有準確的點測光與中央重點測光，可以切換光圈與快門先決，有曝光補償即可。
2>一台裝載Rollieflex Xenotar光學設計的鏡頭（或退一步為Pextax 67的90mm鏡頭）的Fujifilm GF670
昨天看了日本雜誌對於GF670的測試，機身的重量、操控與攜帶性都沒話說的好，但唯獨他的鏡頭讓我不滿意，原以為可能接近GA645那種清亮銳利的畫值，但測試裡面的照片，即使使用RDPⅢ，出來的影像卻仍是偏向濃烈的風格，如果這個機身放上Rollieflex或是Pextax67（Pentax645和Pentax67的鏡頭調性差別非常的大）的那種柔軟乾淨的鏡頭調性，那就真的很完美了！
如果在沒有現實的金錢考量下，買得到的二台接近理想的相機則為 -
1>Leica M8 + Rollei Sonnar 40mm
雖然加上鏡頭仍然太過凸出，但1.3x片幅、扁平的機身加上小巧的鏡頭，很接進完美的隨身機了，雖然Sonnar的鏡頭仍不夠清淡... 不過最大的問題當然是負擔不起的高貴價格！
2>Fujifilm GF670
一切都很接近我的理想，這價格雖高，但我勉強可以負擔，不過問題仍然是鏡頭色調不是我的菜。
而最有可能的現實考量下，我的相機設備會調整為
1>SE K770i + Konica Big-Mini
這已經是我現在在使用的搭配，K770i對於我的手機相機使用上，已經超過我的需求了，尤其它的近拍功能特別好用。我用它搭配iPod Touch做我平常工作與創作時的INBOX工具。使用Big-Mini則預防當碰上某個啟示般的片刻，卻忘了帶相機的窘況，我目前大概一個月拍一捲底片，這樣對於沖洗與掃描底片所花的時間還可以接受！
2>Pentax K-m或是下一台Pentax小型機
由於已經沒接攝影的委託案，應該會把相機換成K-m這類型的小型單眼相機。不過目前沒有很急著換，原因在於K10D的22bit色階讓我遲疑不想換掉，另一個原因則是看了 澤拓 的錄像作品，我覺得我以後可能會作一些錄像的作品，這樣的話，最好等Pentax能把錄影功能放在小型入門機時，對我而言才會是最佳的換機時間。
3>Voigtlannder Bessa Ⅲ 67
目前我是使用Pentax 67 + 90mm這棵鏡頭，雖然調性喜歡，但機身實在太笨重，完全變成我的室內機。作為Fujifilm GF670的姊妹機，我想鏡頭調性不會相差太大，由Voigtlannder出的話，價格應該會再低一些，影像的色調，就只能靠底片的選擇來控制了。平常仍然使用135數位單眼拍照，而特別構思的Project則選擇120底片機來拍照，K770i正好可在我拍攝中型底片時當作拍立得預覽使用。
>
我寫了這麼攏長關於我對於相機的選擇理由，想傳達的一個最核心觀念，就是所謂一台好的相機，是指一台適合你用來創作的相機，而不是那些開箱文或是使用心得所推薦那些C/P值高的相機。
原因在於大部分寫開箱文或使用心得的人，大多數都不是想要從事攝影創作的人，所以他們所認為的 好 相機，未必適合是想進入攝影創作的人的 好 相機！
上星期因為要找 William Eggleston 的資料，我把2005年 吳嘉寶 老師教授攝影美學的課程錄音拿出來聽，剛好有一個例子來說明何謂 好 這件事情。
那堂課的時間，剛好是吳老師作為平遙攝影節的策展人之前，老師剛收到日本許多年輕攝影家的作品，趁著那堂課程跟大家分享那些作品。中間有一組作品透過拍攝一整年的照片，來傳達一件房屋被建成的經過，作品裡有幾張照片是拍攝這一年四季中房屋周圍的草地，課程中有同學提出他覺得那幾張照片跟在台灣拍的草地沒什麼不同，而且構圖畫值都 不好，為何能成為作品？老師這麼回答... 附上當時的錄音檔下載，老師應該不會主張著作權吧 :p
http://rickylin.com/blog_photo/scene/1camera.mov
這裡說明的是，一般網路上大家說的所謂好的相機，是指能夠讓你產生接近完美畫值的相機，是指對焦準得不得了，幾乎沒有雜訊的存在，影像的寬容度到最大，色階完美，鏡頭抗耀光超好，鏡頭的四周畫值沒有下降，變形控制也很完美。但面對推薦這樣竟量接近完美畫值相機的文字，我一直有一個疑問，這些人所認為好照片的價值，值得想要做 攝影創作 的人來遵循嗎？
我想要鼓勵大家的是，在你觀看他的開箱文或心得文時，你先去看他的作品或是他所推崇的作品，所呈現出來的好照片的價值是你所認同的嗎？如果你不認同這樣的價值，那你幹嘛去認同他所對一台相機所下的評斷？
我想要挑戰這些文章的觀念是，適合初學者的相機，一定要簡單到誰都可以輕易拍出，在某種一般價值框架下所謂好看的照片嗎？
質疑與思辨這些被網路攝影社群所累積出來的觀念，才是踏入 攝影創作 的第一步！
>
當你能對我上面的觀念產生認同後，我下面提出對於相機的想法，僅僅是我個人拍照習慣所衍生出的相機選擇，我期待的是，你能跟著我的想法去思考出一台你自己選擇相機的理由。
---
考量1> 放大水準能夠達到展覽基本的畫值
我覺得選擇第一台相機最基本的，是一台你能隨時可以攜帶、至少有135底片放大畫值水準的相機。這裡我所說的畫值，不一定是要完美影像的那種畫值，這裡的畫值是指當你以後想要展覽時，至少可以放大到基本的展覽尺寸（11"x14"），不會被看展覽的人覺得，你的畫值不好不是故意的（故意使用畫值不好的相機也是一種創作的表達方式），而是真的畫值很差。
如果你是用底片的話，一台五千到一萬左右的二手傻瓜定焦相機是個好的選擇，我自己是不太建議初學者使用LOMO或是月光機這類型太具有個性的相機，因為相機本身的個性會蓋過你的創作意圖，或者因為太容易得到搶眼的照片，你會懶於找尋屬於自己的美學。
如果你是用數位的話，還是建議一台CCD尺寸為APS-C Size的數位單眼相機，加上一棵小廣角到標準焦段的定焦鏡（21mm-35mm，如果你是用全幅機，則是28mm-50mm），而且最好能跟同品牌的底片單眼相機共用。目前入門型的1000萬畫素單眼相機，拍攝RAW檔後製後，放大到11"x14"甚至比135底片更好（因為一般人是不太可能送去高價位的滾筒掃描）。
千萬不要以為自己初學時拍的照片不好，所以不需要考慮到以後會展覽的問題，相信我，有時你沒學習攝影時所拍的照片，比你學了攝影拍的照片來得好。當你要做第一個展覽時，有可能橫跨了三四年的照片，這時剛拍照就有夠好的畫值的話，就可以避免難以控制整套風格品質的困境。
考量2> 能夠拍攝到足夠的量
如果你沒有金錢上的壓力，可以無限制的拍攝底片，那就沒有問題。但現實上，大部分的人都沒法無限制的拍攝底片，而當你有金錢或是時間上（處理底片要花費更多個人的時間）匱乏的壓力時，還是建議你買數位相機。
以我個人的經驗，盡量拍攝的大量的照片，是拉近自己跟成熟的藝術家的基本工。這裡的大量拍攝，並不是說盲拍，而是指一個場景，盡可能以不同方式與角度來拍照！
如果你是用底片，你可能一個場景拍上二三張，然後每張都會盡可能的曝光準確、符合某種構圖的美學。但如果你是拍攝數位，你可以有感覺時就先全自動拍一張，曝光調整準確拍一張，構圖至完美拍一張，手晃拍一張，換個角度拍一張，不要看觀景窗拍一張... 類似這樣自由的嘗試各種可能性，你才有辦法找到自己的觀點與美學。
考量3> 盡可能的找CCD或底片面積大的相機
之前提過最好買CCD比APS-C大的數位單眼相機。
為何CCD至少要比APS-C大呢？比APS-C Size更小的4/3或是高階的數位傻瓜（比如LX3/GRD這類型的數位相機），在拍攝一般場景時（非近拍特寫或長鏡頭抓拍），容易拍出景深非常深的照片，並不是說景深深的照片不好，而是這時你缺乏彈性，你無法選擇你要景深淺或者景深深。能夠買全幅當然很好，但目前的價格並不適合初學者購買！
比如我為何要用中型相機來拍攝pianissimo系列，因為我發現，pianissimo如果能將物件只有局部重點拍得清晰，其他拍得很模糊的話，會非常接近我的意圖，135相機還無法表現出這樣的影像，因為當我要很淺的景深時，我必須靠近拍攝體，或者換長鏡頭，這時會碰上雖然局部清晰了，但我就沒有了背景來交代這個物件與背景的關係... 這就是彈性，你有淺景深的選擇，總比沒有選擇來得好！
當然，如果你能夠像 谷口浩 這麼厲害的話，那就不需聽我的建議了！
我在誠品看到他的攝影集，最後的想法是，你即使給他LX3這類的廣角標準端幾乎沒有淺景深的相機，他還是拍得出那樣的照片，或者說，他不用淺景深而是透過構圖顏色與取景，來達到某種純粹的影像風格。但這樣的能力不是普通人或者每個題材都能做到的。
考量4> 選擇尺寸小到你能隨身攜帶的相機
相機不管多厲害，你懶得帶在身上那就是台廢鐵，這是我選相機的定律！
當然到底要多小才能隨身攜帶，那就看每個人的習慣與耐性了。日本很多攝影家，即使是女性，拿重達一二公斤以上的中型相機當成主力相機多得是。
對我而言，一台像鏡頭能內縮的底片傻瓜機尺寸，加上APS-C或全幅CCD的定焦數位相機是完美的選擇，但相機從來沒有完美過。大概K-m尺寸加上小廣角定焦與餅乾鏡是我還能接受的隨身機尺寸，K10D我就沒法當作隨身機了。
這個考量點完全是偏好問題，有人攜帶Canon 5D加上巨炮當作隨身機，那也沒問題。只是別太高估自己的耐性，當你發現你好幾天出門都沒帶相機時，你就要反思這台相機適合你嗎？
我的目標是拿中型的蛇腹機當作隨身機 :p
考量5> 必須要能控制你的影像品質與色調
從事彩色攝影創作，控制影像的色調是一個最後要面對的難題。
如果你拍攝底片，最好能自己進彩色暗房，或是交給可以聽從你的色彩要求的放大師傅，這二點在台灣的可行性都不是很高。這時你就得靠底片掃描器與影像處理軟體來控制。
拍攝數位的話，拍攝RAW檔是一個必要的要求，因為這就像你拍攝黑白照片後，你來自己控制沖洗底片的流程一樣，你可以根據各種不同的需求，製作出不同色調需求的照片。
而這時候就需要學習超越相機的知識，必須開始了解電腦的色彩管理與輸出端的配合學問，但我認為這是最後一定要學到的東西，如果你的目標是走一個長久的攝影創作的路。
所以，破除攝影是不能後製，儘早建立色彩控制的觀念與能力，依據這原則來判斷你的硬體選擇，是以後你要建立自己相機系統所依據的參考。
>
上面所列的長長的五點內容，看起來好像太過於深奧難懂？
但其實說起來，簡單的結論就是，選擇一台小巧便宜的一千萬畫素數位單眼相機，在拍一陣子Kit鏡後，購買一棵你最常用焦段的定焦鏡，只用RAW檔拍照，不局限於無意義規則的多拍，然後學習製作高品質的RAW檔。
就這麼簡單，所以我到有教到你怎麼挑相機嗎？好像沒有。
我想傳達的是，以你自己的理由挑一台入門機！比如你的朋友用Nikon，因為借鏡頭與周邊方便，你選擇Nikon；你對於大品牌比較安心，你選擇Canon；你喜歡餅乾鏡，所以選擇Pentax；你相信直射角比較好，選擇Olympus；你喜歡菜司鏡頭，所以選擇SONY... 不管什麼奇怪的理由，都可以是你選擇第一台機器的理由！
一台功能薄弱的入門機，和一台功能強的中級機，一樣用一千萬畫素CCD所拍攝的RAW檔，得到的照片並不會有多大的不同。
別再幻想當你換了一台更貴的相機之後，你拍的照片為更好。你可能得到一張對焦比較準確的照片、一張曝光準確無比的照片、一張聰明地把你的燈泡色溫修正成太陽光色溫的照片... 但上面這些照片，並不代表那是一張 好 照片。
或者更極端的來說，正因為入門機不夠聰明、不夠厲害，所以你會得到許多超乎你腦袋想像之外，因為某種失誤而獲得的有趣照片，而正因為這些的不精準，才能打破那些所謂 好 照片的框框。
所以，當你買了一台入門機後，不要每天去看什麼開箱文或什麼使用心得，然後懷疑自己的相機因為不夠好所以照片拍的不好。至少等你能用入門機拍到好照片後，再來考慮換相機或跳槽，至少等自己的照片好到一個程度，才有那說服力來評斷一台相機好或者不好！
然後，當你發現你身旁一堆拿著高級相機、玩器材玩得很厲害的人，在譏諷你的入門機時，期待你能把這篇文字當作後盾，不要隨便就受人影響，開始懷疑自己，開始想要換相機、換品牌。相信你自己，因為你拍的照片，比那些人好太多了！
最後，是老話一句，照片不好，99%是你的問題，只有1%是相機的問題！
April 20, 2009
{ music } 應該是三十歲要聽到的...
Snow (1999)
by The Trash Can Sinatras
>>
今天的午後
空氣聞起來悶悶溼溼的
雖說有著大雨預報
但我只感到初夏的熱度
大概已經面對著InDesign四小時
我把幾天前在九號的豆辦看到的The Trash Can Sinatras傳到Touch
走到離家有段距離
但有著整面落地𥦬的7-11喝著冰拿鐵
換口氣發著呆
就在今天午後的四點三十一分
我聽到了今年以來最美的曲子 - snow
六秒的沈默後
電吉他像在確認音符般
一條條弦慢慢撥弄着起了頭
緩緩有點悶悶的鼔聲打了進來
電子樂刷出一長串的清亮
像是輕柔地搖晃著風鈴
男主唱低沉的嗓音
小心翼翼地唱出美好的英式搖滾旋律
旋律進入了副歌
主唱開始隨性變化著假音吟唱
鼓聲加快著力量
噪音電吉他在遠方催促著
電子樂又再大力地刷出一長串的清亮
落地𥦬外繁忙的馬路上
還正曬著初夏午後的斜陽
突然
暴雨在斜陽的照射下落了下來
我似乎在看著某個超現實的場景
一棵棵的雨水閃閃發着光
炙熱的道路好像透出著霧氣
路上的行人來不及做出反應就全身臨溼
有位女孩乾脆停下腳步慢慢地走著
我把這個畫面留在我的記憶中
然後繼續聽著下一首甜美的 Leave me alone
April 18, 2009
{ option } 當代藝術到底會走到何處？
＊今年 GEISAI #12 中獲得評審個人獎 - Lily Franky獎 的 照沼ファリーザ，此展場照片連結於GEISAI官方網站。
---
看到這些自拍照的作品，一些男性朋友應該會跟我反應有點類似，猛一看覺得為何這麼眼熟？Google了資料，才發現這位得獎者正是AV女優 - 大沢佑香 本人。
我從這件事情作為這一格的開始，不是我持否定的態度（其實我自己覺得她拍得蠻棒的！），而是我覺得這作品給我的想法，正好切中從我開始理解當代藝術作品後所獲得的觀念。這一格不是要說什麼結論，而是想記下我看到這個網頁後所閃過的幾個思緒..
今天一早開始思考著個展metaphor的想法，我的Keyword是 William Eggleston，覺得自己metaphor系列，應該可以從William Eggleston的照片裡得到我心裡暗藏著，但卻無法明確說出的概念... 關於他照片所透露的祕密，關於他對於照片採取某種民主的態度，這讓我腦海裡已經瞬間產生對於展場規劃的想法了！不過這是以後要談的事情。
我喜歡一面思考事情，一面點選網路上看似沒有關連的資訊，而GEISAI #12是我不知從關於William Eggleston的文章中JUMP幾次後，所看到的網頁消息。仔細閱讀了這屆的GEISAI #12，發現幾件值得以後思考的點我想記下 -
1. 村上隆 Takashi Muradami
記得之前他來台灣的時候，身旁一些從事創作或設計的朋友，大多是表現出厭惡他的態度，相對於每個人喜愛 奈良美智，真是明顯的差別，而這樣的差別，我覺得正好是一種思考的切入點！關於藝術的商品化？商品的藝術化？或者到底藝術家商業化之後會變得如何？類似這些種種的思考，我覺得村上隆是一個很好的思考切入點。
2. 秋元康 Akimoto Yasushi
前一陣子看了一部非常KUSO的日劇 mendo，從no3b到AKB48，才知道這人。Google許多資料，才知道這個人一點也不簡單，從人員分組規劃、挑選訓練與演出、到商業販賣的手法，實在是一連串細心考量之後的企劃！如果哪天出一本AKB48的企管書，我是很想買一本來讀讀！
3. 藝術祭典
以 參展者不需要經過任何事前審查 為號召，是一個最有趣的起點。打破某種所謂藝術的框框，讓眾多的作品，不分範疇的聚在一起，本身這個事件就是一件很有趣的創作品。
當然，台灣目前也有類似的創意市集，但一直沒有引發我的興趣，我覺得原因不是創意市集裡面的東西有沒有創意，而是在於對於這樣事件的思考點本身的不同，我覺得這也是台灣文創產業政策一直在錯誤的起點來思考！
台灣的創意市集或是文創產業政策，都是先以要賣錢來思考，而非讓人感受到創作的樂趣為起點。以銷售為起點，然後讓創作者根據銷售來 製造 出作品，這樣的作品跟好玩一點的商品有何二樣呢？
從GEISAI所展示出來的作品，正好能讓我感受到每位年輕創作者的熱情，那種想讓別人看到自己的熱切期望。我想，台灣想要能發產出文創產業，應該先從鼓勵創作與欣賞創作的熱情開始，而不是像製造業一樣，想要把創意當作一種商品的方式來販賣！我們需要的人才是，能夠看出每一位創作者美好的地方，依據那美好的特點來發展商業化，而不是弄一堆固定式的商品，然後把每個創作者的作品都塞到那商品的表面上！
最後回到 大沢佑香 的照片，期待大家看到這照片，能先放開去下好或不好的結論的習慣，而能去思考，這樣的作品為何會得獎？他跟其他得獎的作品有並列出哪種特性？這樣類似的問題。
這也是我從杜象的馬桶開始，了解當代藝術到底在幹嘛？我的標題 - 當代藝術到底會走到何處？看起來像是負面，但其實是個筆記的標題。這也是我覺得當代藝術有趣的地方，它把藝術跟觀看者的關係往下拉到平等，你不用再用仰望的角度觀看藝術品，你可以評論一個作品、甚至鄙視一個作品，那都是當代藝術想要傳遞的訊息... 正如GEISAI所展現出來的，許多作品都讓我發出 當代藝術到底會走到何處？ 這樣的疑問，而這疑問正式觀看它的樂趣所在 :)
April 17, 2009
{ photo } metaphor＊屋頂
荒廢後的屋頂...
>> camera >> Pentax K10D
>> lens >> smc Pentax-FA 77mm f1.8 LE
>> file >> RAW - ISO 100 use Lightroom 2
---
今天拍這張照片，
才發現用了8年的FA35終於被我操壞 :(
April 11, 2009
{ option } 關於裁切 - 可裁嗎？
巴吉歐後面那排書，是我的攝影編年史裡重要的攝影書...
>>>
經過對於網路攝影討論區長期的觀察，我發現，經常碰上最不可思議的攝影規則，就是照片是不應該裁切這件事情，拍照應該在觀景窗就完成構圖，事後的裁切表示你的技術不夠，我們經常會看到這樣的論點出現...
在我自己拍照的編年史裡，基本上就是對於攝影規則慢慢放鬆的過程。
這源自於我本身是個典型山羊座的個性使然，對任何事情總是不自覺地去歸納出某種可以遵循的規則，因為有種規則來做事情，可以根據規則來系統化這件事情，做起事情就變得有效率而且容易達成目標。
關於攝影、電影與音樂的興趣培養，我一直是自學的，所以是沒有什麼理論規則來框住我，但我對於攝影的框，來自於我使用的攝影器材所造成的。要談到這原因，就順道來看看我自己的編年史。
---
我是從十七歲念大學時開始接觸相機的，從一開始是家裡買給我的Patrica一機三鏡，但決定開始想要學習拍照開始，就從Nikon FM2開始我的攝影編年史。
1> 十七歲到二十一歲 / 大學時期 / Nikon FM2
我想我那個年代，一開始接觸攝影的人，應該有一半都是買Nikon FM2吧？當時沒什麼網路資訊，我也不是念藝術相關的科系，沒有什麼正統攝影訓練的課程與資訊來源，所獲得的攝影知識，大概只有從阮義忠所撰寫的 當代攝影大師 與 當代攝影新銳 這二本書籍，攝影技術是讀者文摘出的 攝影自學指南，最喜歡看的攝影雜誌是日本的 風景寫真，我還有這本雜誌的創刊號喔！
這一段時間裡，我喜歡拍風景，每次放假時，就在陽明山的學校附近亂拍，這時對攝影沒什麼觀點，只是知道自己喜歡風景攝影，但又不是一般的風景攝影，沒有能力探知自己究竟想拍攝怎麼樣的風景。不過，我當時喜歡的攝影家跟一般人不太一樣，我特別喜歡 Manuel Alvarez Bravo 與 植田正治。
＊這是我大學四年內最喜歡的一張照片，FM2+小黑二
我一開始拍照就是拍正片，因為拍正片可以學習準確的曝光，所以很適合我的個性，喜歡追求好鏡頭拍出來的完美畫值。我的每一張正片，都是上片夾後十分完美準確的影像，曝光正確而且構圖不需要格放，歸毛程度到我連FM2的觀景窗不是百分百範圍的誤差，都能先預估然後想像去構圖。這段時間雖然我並沒有受到Bresson的影響（對於攝影大師的喜愛，Bresson在我的排名裡是比較後面的），但因為拍攝正片，讓我自己有要拍照時就要構圖完美的嚴謹習慣。
2> 二十二歲到二十七歲 / 不拍照的時期 / Konica Big Mini
一畢業，我是先去補習托福，考到能申請到美國的電影研究所的托福分數後，就到廣告製片公司工作。當時最想做的是電影導演，所以先從製片開始學起，想說工作一年後，就到紐約念電影，然後回台灣就能從副導演做起了... 但到製片公司工作半年後，我的電影夢就碎了，原因有幾個，但不是這一格的重點。離開製片公司後，就跟剛退伍的學長分租房子，合開了設計工作室、然後回高雄合開設計公司（就是現在很厲害的 minimax 喔），因為不想年紀輕輕就綁在公司裡，又回到台北上班（其中有很棒的Sun Movie），不適應上班族生活又開始了工作室生活。
這段時間基本上都是在做設計的工作，從完全不會設計開始學起，一直都在接觸設計相關的知識。當然不是完全不拍照，只是一年大概還拍不到十捲底片的狀態。
不過這一段時間我碰上了對我最重要的展覽，那就是 郭英聲 回到台灣定居後，在北美館的回顧展。我現在仍然清楚的記得，當時在北美館看了他在峇里島的飯店房間裡，往窗外所拍出的霧景那張照片，我突然知道了，原來我想要拍的風景照片就是這樣啊！我有一個小願望，就是期待碰上一個機會，能把我收藏的那本作品集拿給他簽名 :)
然後，我也發現一位很棒的日本攝影家 - 稲越功一，但可惜的是，他前一陣子過世了，台灣這邊似乎沒什麼人介紹過他。還記得那幾年開始流行多媒體電腦，我還請一位在金馬影展認識的空姐，飛日本線時幫我帶回稻越功一的多媒體光碟（以前趕金馬影展的日子真是令人懷念啊！）
那段時間我開始想要拍攝像 郭英聲 那樣的能表達情感的風景照片，但一直無法嘗試成功，因為一直無法隨身攜帶著FM2加上大顆鏡頭。當時我從Studio Voice用一本專題來介紹Hiromix，知道一位女高中生用傻瓜相機拍照，就得了Canon所辦的 寫真新世紀 大賞，日本就開始流行起用傻瓜相機拍照的風潮。
那幾年各大相機廠都出了高貴的傻瓜定焦相機，我最想要買的是Contax T2，但實在是很窮，所以就買下了外觀有點像，但價格便宜許多的Konica Big-Mini。也是因為我能隨時攜帶著相機，所以慢慢開始能掌握如何用照片表達情感。雖然拍的底片很少，但卻也拍下了自己覺得三十歲前最好的二張照片！
＊三十歲前所拍的照片中，我最愛的二張，都是Big-Mini拍的
不過這時候我的曝光跟構圖也是很精準的，即使Big-Mini只能調整正負一點五格的二種曝光控制，與觀景窗的框準確率非常的低。但我使用傻瓜相機後，開始放鬆了鏡頭畫值要很完美的這個框框了，我發現，拍得到照片比拍到畫值好的照片來得重要許多！
3> 二十八歲到三十歲 / 重新拍照的時期 / Nikon F100 + Fujifilm GA645
做設計做了五年左右，當時還在景氣好的末端，自己大部分的謀生技能都已經熟悉了，而且賺錢蠻容易，開始想要重新拿起相機來好好拍照，所以買了Nikon F100這台自動對焦相機，開始上街拍攝黑白照片（Street Photography絕對是練習拍照最佳的方法，它訓練你觀看、找尋、面對與靠近你要拍攝的東西，也訓練你的技術的反應能力）。
拍攝了一陣子黑白照片後，就到視丘跟 張金日 老師學習黑白暗房，因為當時的工作室離視丘很近，雖然一星期只有一堂的夜間部課程，但我白天有空的時候，還是跑到視丘的暗房去放大照片，真是值回票價了 :)
＊重新拿起相機街拍的練習，這是在西門町街拍後的印樣
而在我步入三十歲之前，我開始了自己第一次的自助旅行（不過也是唯一的一次了），我在2001年的春天進入夏天的時候，到希臘去拍照，帶著GA645加上Big-Mini，與六十捲的底片，整個月的生活，就是散步拍照、聽音樂讀小說、吃著番茄沙拉與烤羊小排的美好日子。
回到台灣後，花了一整個月的時間慢慢沖洗黑白底片、掃描底片與整理照片，慢慢地觀看一整個月所拍攝的東西。也在那時候我開始練習書寫 部落格（做設計之後，幾乎把寫字的能力給埋葬了），嘗試著把以前拍的照片搭上文字，也試著編輯在希臘的照片，確實也有不錯的東西產生！
＊希臘拍的照片喜歡的太多，但多年來一直沒有好好整理過... 一個風景二個顏色。
之後景氣慢慢的變壞，工作也是一陣一陣的，所幸前幾年所存下的一點錢可以支撐著，也就花了許多時間思考攝影的事情。在這個時候我碰上了改變我的一本攝影集，那就是 川內倫子 的 うたたね，一開始我是在Studio Voice裡面看到了她的幾張照片（應該是她剛一次發行三本寫真集的時候），過了一年多後，我才看到一整本的寫真集。
讀了 うたたね 之後，我似乎頓悟了，發現了自己在編輯作品時少了些什麼？但到底是什麼樣的東西，我自己並無法找出來。七八年前，我當時所接觸到的攝影知識，大多是日本雜誌的片段，或是已經去世的攝影大師作品，對於當代的攝影藝術根本是一無所知的狀態！
在重新拍照的這二年多，當自己進入暗房時，才知道，照片的反差、亮度與構圖，都可以在放大的時候調整的，Bresson那套我完全不認同，當時覺得逢Bresson必反的 William Klein 超贊（Studio Voice有一期以他為主角的專題）。雖然我在希臘拍攝的照片仍然曝光與構圖精準，但在拍照曝光時，已經考慮著沖片要如何修正，而在構圖上有些無法迴避的東西（我帶去希臘的二台都是定焦傻瓜相機），我也能考慮往後能如何裁切而按下快門（以往有那種一定要有最完美的構圖，才能按下快門的自我設限）。這個時期得到最多的進步，就是從正片養成的那無謂的框框裡給解放出來！
4> 三十一歲到三十三歲 / 學習攝影藝術的時期 / Pentax MZ-3 + *istD
在碰上 川內倫子 後，我才清楚的知道，我不僅只是想把攝影當作一種業餘的愛好，在我一面找尋攝影的下一階段的入口時，我也開始整理我的相機系統。
在使用Big-Mini拍照後，我開始發現，使用不同的相機（主要是體積尺寸的分別），使用不同的底片（使用黑白負片、彩色負片及彩色正片，你面對底片的想法會不一樣），會影響你拍出來的照片的樣態。所以整理相機系統是我重新出發的第一步。
我先清掉了整個以高畫值考量卻笨重的NIkon系統（FM2 / F100 / 二棵大頭變焦鏡 / 三棵定焦鏡）與GA645，雖然GA645的輕便又大畫面深得我心，但過於銳利（這也是Nikon鏡頭的調性）完美的影像質感已經不是我想要的照片了。當時只是想使用Pentax 67，但因為實在太過於巨大笨重，我就想先買台Pentax的135規格的一機一鏡來暫時使用，不過，當我一使用Pentax MZ-3加上FA 35mm之後，我就找到了完全屬於我的鏡頭了！
使用Pentax之前，關於彩色照片的色彩，我一直沒有思考過這個問題。雖然驚艷於 川內倫子 的色彩，但因為不是自己的照片，並沒有認知到 色調 這件事情是多麼重要的一件事情。而當我以FA 35mm這棵鏡頭拍攝我習以為常的主題後（當時已經在拍 散步寫真 系列），正片透過燈箱所發出那清晰卻不銳利、清淡透明的影像，我才發現 色調 對於一個彩色攝影的作者是多麼重要的一件事情。
＊這張照片讓我確切的了解到，什麼樣的色調是屬於 我的顏色，使用正片及FA 35mm。
當我使用Pentax拍攝 散步寫真 後，我發現了視丘的一堂課程 - 系列影像製作與影像編輯。吳嘉寶 老師的這堂課程給我一種全新的攝影觀念，而這些觀念正是我從川內倫子的照片裡看到，卻自己無法參透的觀念。在上這堂課程的半年當中，我好像回到學校似的，每個星期就為了上課的那個晚上，而花上好幾天來準備作業，透過一次一次的作品編輯與修正，慢慢開始理解影像的語意，開始讀懂川內倫子的祕訣，開始解析自己的創作意圖。在這段課程裡，老師對於 Robert Franks 的 The Amercian 解析對我幫助非常的大，而在這期間也發現了 Wolfgang Tillmans。
在從希臘回來這三年間，極少的工作收入與之前存的不多的錢也用得差不多了，我開始思考到底是要做一位職業攝影師？或是原來的平面設計師呢？學習攝影藝術這三年，我開始將攝影放到我的人生思考裡（之前都僅僅是一種興趣罷了），而開始使用數位單眼相機 *istD，也讓我意識到我是認真的想要做攝影這件事情。
為何說數位化這件事情讓我認真了起來呢？在台灣想以彩色攝影為創作媒材是一件困難的事情，因為你無法精準的控制印相的色彩，另一個重要的因素，就在於拍攝照片的數量。如果你不是專業的創作者的話，你不太可能有時間與金錢拍攝夠多的量，也不太可能自己進去彩色暗房放大照片。而使用數位單眼後，我第一年拍了一千張左右，它解放了我對於拍照所有的框框了。我一個場景可以拍上十幾二十張，只為了抓取那微妙的瞬間變化（這對於拍攝情感的照片，那種微妙的區別非常的需要）；我可以完全不看觀景窗隨手亂拍與拍攝手晃的照片（因為不會因為覺得底片可惜而放棄拍攝）；我可以不受色溫的影響，在電腦上隨意的修正那微妙的色彩變化。
＊因為使用RAW檔後製，所以可以修正至最美的色溫，與先曝光不足然後調亮來確保亮部細節，使用*istD。
正因為我能拍攝大量不同的照片，精準的控制我的照片色彩，再加上 吳嘉寶 老師的課程，我發現了自己清晰的一條攝影的路，除了對於設計工作的搖擺之外...
5> 三十四歲到三十六歲 / 踏入攝影藝術家的時期 / Pentax K10D + Pentax 67
在上完吳嘉寶老師的課程後，我一直就煩惱著攝影與設計的抉擇。也在同時間，吳老師詢問我有沒有意願參加韓國的 東江攝影節 的徵選，我因為這個契機，才真正創作了自己的第一件作品 light memory，雖然那年沒有機會參加 東江攝影節，但我的作品讓韓國的策展人留下了印象，有機會參與了隔年的 中國台灣現代寫真作家招待展。
2006年，我才開始自己的第一個聯展。覺得自己是幸運的，因為一起聯展的竟然有 許哲瑜 與 王寧德，這二位都是我覺得非常厲害的藝術家。不過這個時候，也碰上了我做一個重要抉擇的時間點。
在快要進入三十五歲時，當時的大學同學兼室友（也是設計SOHO），下了決定要去上海工作，這時我才驚覺，自己真是打混太久啦，我們已經進入人生的另一個階段，一種往下坡而不容易轉彎走的路了。思考了許久後，我決定作一位專業的書籍設計師與業餘的攝影藝術家。我是這麼想的，關於設計工作，如果書籍設計做不下去，我就想轉行賣電腦也沒關係，但拍照是一定會繼續下去的。
2007年開始我把全部商業設計的案子停掉，借了筆貸款，為只接書籍設計做準備。因為自己進入太晚，台灣已經有幾位有名的書籍設計師，剛開始的時候真是辛苦，但我仍然開始做新的作品，一個是延續 light memory 的概念，做了 being weak 系列作品，另一方面也開始嘗試著跟我以往作品的表現方式完全相反的 pianissimo。幸運的是，我因為 being weak 得到了 台灣攝影藝術新人獎 的優選，也加強了自己作品的信心。
2008年後，我的書籍設計工作慢慢進入狀況，工作也多了起來，但一整年拍的照片少之又少（我換了K10D後，扣掉攝影工作所拍的照片，竟然沒超過三百張），不過這一二年對我的設計工作算是重要的時期，比起其他有名的書籍設計師，我大了他們五歲，再不努力點，過幾年就會被送入歷史的山洞了吧 :p
不過，幸運又降臨到我身上，因為在攝影新人獎認識了 李佳祐，所以有機會參與田園城市所企劃的 色相環 書籍與聯展，雖然書籍最後沒有成真，但能夠在VT這個台北當代藝術重要的藝廊裡展覽，仍是非常的感動。
在這三年裡，有三個聯展，對於我這樣懶散的創作者而言，真是非常的幸運。也透過這三個聯展，發現了自己在攝影上不足的地方，比如對於藝術史、攝影史與其他學科的閱讀還太過於薄弱。而在VT的聯展，更深刻的覺得，當作品要標上價格時，才發現作品的輸出品質並沒有達到一位專業藝術家所必要的水準，這讓我想到在攝影新人獎的頒獎研討會，黃建亮 老師所提出的，我們這一代攝影創作者的問題，在於我們沒有看過所謂好的彩色照片的品質為何，所以也就不知道對自己作品的品質要求，要到怎麼樣的程度。
在進入這段時期後，雖然有許多攝影的技術還要學習（比如我使用從Hasselblad 500 C/M到Pentax 67拍攝 pianissimo 系列，一直無法進入狀態），但發現，學習攝影最重要的，是你必須習慣於用攝影的方式來觀看你的生活，即使你身旁沒有相機，你沒有做按下快門那個動作。
>
還是上個星期以前，我都不知道自己竟能被稱為攝影家，直到讀了策展人 黃亞紀 的文章 - [評論] 由70後攝影創作者所見台灣攝影趨勢，雖然只出現一下下，但仍感到非常的欣慰 :)
如果問我，三十七歲的現在對於自己的攝影之路有什麼期待？我想，自己應該沒法成為一位專業藝術家（這年紀才起步實在太晚），但期待著能學習 Eugène Atget，即使沒有被人看見，還是相信著自己，每天持續地一直拍照到老，那真的是一種完美的創作狀態。
回頭這樣觀看自己的攝影編年史，竟然已經二十年了，實在是個恐怖的數字。巧的是，現在iPod Touch播放著，正好是我十七歲時最愛專輯的歌曲 - The Language of Life by e.b.t.g。
離題真的不是普通地遠，不過我還蠻愛離題的 :p 我想說的是，所謂能不能裁切這件事情，對於未成熟的攝影者而言，不應該是個問題！就跟能不能後製一樣，根本是個不需要設限的框框！
能不能裁切，代表著某一種對攝影的信仰，Bresson的信仰，只是一大堆攝影大師之一的信仰罷了。當然你可以選擇信仰Bresson，但我仍是建議，你先放開不能裁切這個框框，等到你已經成熟到能發展自己的攝影觀念時，再來選擇你要不要裁切這件事情。
>
最後的最後，為何我要在上一格放上Coyote月刊的The American專題？
答案就在下面這張照片，雜誌裡特地比較 Robert Franks 在 85/69/59 三個不同版本的 The Amercian 裡，同一張照片不同的裁切。連大師都裁得這麼誇張，你還堅守什麼不裁切的規則呢？更何況，對影像有想法的人，才會知道不同年紀的自己，其實會裁出不同樣子的照片的！
April 09, 2009
{ option } 關於裁切 - 由誰裁？
消費卷買了什麼？我買了二本夏宇的詩、新版的The American、Coyote月刊的The American專題、この写真がすごい2008（這張照片真厲害2008）。
跟這一格的主題有什麼關係？主要是獻寶一下，然後很後面會有一點點關係...
>>>
對於拍照的人而言，關於照片的裁切，一直是個問題...
所謂的問題，是指它是個Question，也是個Problem；對拍照的人是個問題，對於使用照片的人是個問題，還有當眾人一起討論照片時也是個問題！
這裡談的，僅僅是我自己拍照至今所領悟到的觀念。
這些觀念來自於我的學習經驗 - 從一個喜歡拍照的業餘攝影師，到以攝影為創作媒材的攝影藝術家（我最近才發現，自己竟然能被這樣稱呼著 :p 感謝VT的聯展）；而從另一面的角度來看，作為一位經常運用照片在視覺設計上的平面設計師，會有另一種觀點來看裁切照片這件事情。
我希望能用這二個看似觀念對立的角色，而自己剛好同時又具備這樣二個角色，來談一談關於照片裁切的這個問題。
---
在執行 攝影師之眼 這本書的設計後期，有一件插曲，適合作為討論的起點。
這本書的審定，耗費了非常大的工夫，而在最後印刷前的審定，吳嘉寶老師把原翻譯的 攝影師 這字眼全改成了 攝影家，最後在印刷廠看打樣時，跟編輯在討論著這二個字眼的差別（到最後如何修正，這本書到底哪個時候要用攝影師，哪個時候要用攝影家？我還不清楚，我也還沒拿到印刷品），我提出自己的想法：
所謂的 攝影師，是指以攝影為謀生工具、作為職業的專業人士；而 攝影家，是指以攝影為創作媒材的創作者或藝術家。雖然大家都是拍照的，但根本上是二種不同的人，即使大家使用的工具相同，所學習的知識也有很多部份重疊。
中文一直有個特性，不像英文的字眼那樣的準確。但我是這麼的認為，對於一種角色稱呼的字眼，會代表你或他人對於這角色所代表的認知。
比如，做為一位設計，經常被稱呼為美工，或是在書籍設計裡被稱為美術編輯。或許有人認為職位名稱不重要，重要的是你的能力，但我想說的是，當你做任何事情到一個程度後，會發現，對於文字的理解能力，是決定你是否能繼續進步的關鍵。而當你被稱為美工或是你自認為美工時，你不知不覺當中會把自己限於美工這個框框裡；而所謂的美術編輯，有時並不涉入設計的執行裡，有時他只是位整合視覺方面的編輯人...
又比如，我認為當自己是一位攝影家，跟當自己是一位以攝影為媒材的藝術家，二者所關心的範圍、所立足的點應該會有所不同的。
---
當你清楚這二個角色的差別，這就回答了 "誰來裁切？" 這個問題了。
如果你作為一位職業攝影師，你可能是雜誌攝影師、可能是商品攝影師、可能是人像攝影師，而你的工作或者你被委託的案件，是為了服務一種商業的目的，這個目的可能是在雜誌上的一篇報導、一本商品販售目錄的附圖、可能是時裝店的店頭海報。
你拍的照片，基本上應該是由負責這個工作的藝術指導、或者視覺設計師所構思，他負責將客戶的意念轉化為視覺設計，所以理所當然應該由設計師來作照片的裁切、調色與運用。除非這位攝影師同時具備美術指導或是視覺設計的角色，要不然攝影師他並不清楚，這張照片最終會運用在哪個媒體？放在哪個比例的裁切框裡？是單張滿版存在或是多張照片並列？而一位攝影師不了解這些問題時，他如何做決定最後裁切的角色呢？
如果一位攝影師不懂這個道理，只能說他不夠專業，他並沒有仔細思考他作為一位職業攝影師，在整個工作流程裡應該扮演什麼角色，或這角色需要具備什麼能力。
另外一個角色，就是作為一位攝影藝術家。這個角色為自己是個人作品的委託人，理所當然是由自己裁切，而當攝影藝術家在製作自己作品時，不論展覽的印刷品、現場展覽的佈置、或是攝影集的製作，通常會有另一位設計師的角色涉入，而設計師這時就要聽從攝影家對於照片裁切的要求了，因為，照片如何裁切，也是攝影家對於作品的一種表現手法，設計師就不應該以美學或個人意念來涉入照片裁切這件事情。
如果一位設計師以美學理由，而自行裁切攝影家的作品，這位設計師也是不夠專業，誤把一個商業委託案當作自己的作品來看待！當然，仔細觀察日本近年來的出版品，會發現，有許多絕妙的攝影作品集，都是由攝影家與裝帪設計師完美合作的結果。
---
清楚 "誰來裁切？" 後，我覺得拍照的人最大的盲點就在於 "可以裁切嗎？" 這個問題點！
接下來要順道談談我的攝影編年史，會非常地攏長，所以換下一格繼續 :
{ option } 關於裁切 - 可裁嗎？
April 04, 2009
{ option } 必推薦 ＊ 攝影師之眼
學習錯誤的攝影知識，那不如不要學習...
我不敢說這本教的攝影知識是絕對正確的，
但這本攝影書，一定不會是一本誤導你的書！
>>>
要推薦一本學習攝影技術的書，通常是困難的...
我是這麼的認為 - 一本錯誤的攝影技術參考書，會毀了一個人的照片。或許說 毀了 有點誇大，但絕對會讓一個人拍的照片陷入在 死掉了 的狀態，尤其攝影技術越好的人，他所拍的照片越難從 死掉了 的狀態中逃離。
偶而會有網友問我對他的作品的意見，但這幾年來，當我越專注於攝影創作這回事後，越難針對別人的作品提出看法。這並不是說我沒什麼看法，而是如果要說得清晰，必須從很多方面去談，而那複雜度不是一段回應或是一篇文字所能說得明白。
在看了許多網路上所謂的"攝影"作品，發現最常出現 死掉了 狀態的照片，原因都是出自於他一開始拍照，就被網路上的攝影沙龍美學所影響，當攝影者拍了照片想要在攝影討論區獲得推文時，他就不自覺的去跟隨那樣的美學規則去拍照，拍個半年一年後，他的照片也就死掉了。
當然攝影討論區那樣的生態，也不關我的事情。許多人買數位單眼相機來拍照，他的理由原本就不是為了攝影創作，他拍照是因為喜愛把玩相機，想要培養一個休閒興趣，為了能擴展社交範圍，或者期待能夠把妹認識美少女，而因為上面這些理由來拍照，原本就是理所當然的事情，因為這也是攝影這個媒材所具備的曖昧性格！
不過，我想特別提出來的原因是，偶而會看到一些剛拿相機拍照的朋友，貼出一些蠻意思的照片，尤其是沒有任何攝影框架的女孩所拍的照片，但過了半年或一年後，發現他/她的照片已經 死掉了 。
弔詭的是，當一個人在還沒學習所謂攝影這回事的時候，他拍的照片充滿著趣味，但當他學習攝影的知識越多後，他拍的照片卻是越差？這原因絕對是出在他學習到是有問題的攝影知識吧？
---
到底我們需不需要學習攝影的知識呢？對我而言當然是必要的，但如果學習到錯誤的攝影知識，那不如不要學！因為要從拍攝 死掉了 的照片的狀態下脫身，所需要的時間和力氣比你想像中的多太多了。
我認為學習任何一種創作，都會經過四種階段，攝影也一樣 -
1.自由自在的拍照
就是有些人，天生觀察的敏銳度比別人強，我自己也是這樣的 :p 即使是剛開始拍照的時候，總是看到其他人沒看見的風景，尤其在這樣的數位時代裡，這類的人很容易發現自己這個優點，也很容易被看見。
2.學習攝影的知識與準則
當發現自己有種拍照的天賦時，我們總會有想要去學習攝影知識的饑渴，會去追求著被當作所謂攝影師的慾望，會從各方吸收讓自己成長的機會，而無從分辨好與壞的知識。
3.打破已經學到的攝影準則
如果一個人沒有在學習攝影知識中被導引到 死掉了 的狀態後，他就會開始發現，他必須去打破他所學習到的準則，才有可能拍出個人風格的照片。
4.攝影已經不是問題，問題在於如何用攝影表達
當拍一張個人風格的好照片已經不是太大的問題後，就會進入想要運用攝影這個媒材，表達自己想要傳達的意念。會開始思考攝影的特性，然後運用這些特性，或是打破這些特性，來完美的結合作品的意念。
而在這四個階段中，我們最需要被教導的，就是第二到第三個階段，而大部分被摧毀掉的才華，都是發生在第二階段裡。
---
這也是推薦一本攝影技術書籍的困難所在了，讀了不好的攝影技術書，有時會摧毀了那難得能夠發光的才華...
最近我參與設計的這本攝影書，在我看來，是一本能在你學習攝影的過程中，好好抓緊你，避免偏往錯誤方向的書籍。
以Michael Freeman做為一位國家地理雜誌的攝影師，仍會透過影像合成來表達一個現實，這大大的提高了我對這本書的評價。因為他特地提出這是一種 "侵略風格的後製"，但他並不拘泥於傳統攝影的框架否定合成，在使用這樣的數位技術時，仍然清晰地理解與把握住他使用合成的理由，我覺得這樣的觀念，非常需要被灌輸在我們台灣這種淺碟思考的攝影討論區。
這本書教你很多規則，但難得的是，當你學會如何巧妙的運用這些規則時，他不時提醒你，也要去思考打破規則！
此外，以作為一位視覺設計師的角度來看這本書，我也很推薦大家來閱讀。台灣的視覺設計師普遍會有一種毛病，就是太強烈的以視覺美感的角度來觀看與運用照片，而浪費了影像作為一種觀念傳達上的力量。透過理解這些影像構圖的原理，能夠讓設計師在挑選與裁切照片時，放進更多意念傳達在自己的設計作品裡。
事實上，做一本尺寸版型與原文書都無法大改變的美術設計，是一件頗為無聊的事情，不過在仔細閱讀原文書之後，我還是與編輯爭取想要執行這本書籍。我期待能透過平面設計，讓這本書在書店的平台上，與其他攝影技術類的書籍有些的區別，這本書才不會不小心，就被埋沒在已經氾濫的那些粗淺的攝影技術書籍裡！