March 12, 2006
{ option } 片段的筆記＊像詩般的結構
在視丘每星期一個晚上去學習攝影之前，除了郭英聲的攝影集之外，我學習攝影的對象，幾乎都是從電影而來的，雖然最愛Woody Allen, Eric Rohmer與Wim Wenders，但影像的視覺卻是在Andrey Tarkovsky的電影裡獲得最多... 並不是說他的內容不夠動人，而是我的年紀還無法看透他的電影吧？
今早又把Mirror看了一次，每隔幾年，就會把Nostalgia和Mirror拿出來溫習一遍，慢慢把那些電影帶來的震撼吸收進來，然後讀著他所寫的雕刻時光將無法凝聚的想法給固定下來...
雕刻時光的第一章，Tarkovsky談到了詩的結構是最適合電影的形式... 裡面這麼寫到 -
" ... 我發現詩的連接、邏輯在電影中無比動人；我個人以為他們完美地讓電影成為最真實、詩意的藝術形式。誠然，我對詩的熟悉遠超過傳統劇本，傳統劇本總是把影像按照劇情的僵固邏輯作直線式的串連。那種吹毛求疵的連接方式常常很武斷第把事件依照一種抽象的次序排列，縱或不然，即使劇情推演式順著劇情中人物的發展，我們也會發現，那些凝聚整個故事的關鍵，將複雜的人生做了過分簡略的詮釋。
... 我個人以為詩的推理過程比傳統戲劇更接近思想的發展法則，也更接近生命本身。...
經由詩的連接，情感得以提昇；觀眾也將由被動變成主動，他不再被作者所預設的情節所左右，而是親自參與一個探索生命的歷程，唯有幫他透視眼前複雜現象的深層意義者才能未他所服膺。...
當一件事情沒有被全盤道出時，我們反而有更多的思考空間。...
我們的方式還有另一種優點，藝術家迫使觀眾去把分裂的片段整合起來，迫使觀眾去思考那些言外之意、弦外之音，唯有這種方法才能讓觀眾和藝術家再體認電影這一層面上處於平等的地位。...
當我談論詩的時候，我並不把它視為一種類型，詩是一種對世界的了解，一種敘述現實的特殊方式。...
沒有這樣的裡解，即使一件有心要忠實於生命的作品，也會顯得匠氣單調、沒有深度。藝術家也許能夠營造出一種「疑似生命」表象的效果，但是那和直接切入、檢視存在於表象之下的生命本質截然不同。
我以為，事實上作者若未能將其主觀印象和客觀呈現的現實做一種有機的組合，那麼它連表象的可信都無法達成，更遑論其準確性與內在的真實。
我們可以把一場戲拍得像紀錄片那般的準確，把角色包裝得極為寫實自然，甚至所有的細節安排也和真實人生沒有兩樣，然而影片拍出來的結果和現實還是有極大的差距，還是顯得極為虛假，與真實人生不符，儘管虛假正是作者力求迴避的標記。
... 原來，我們的生活形式要比自然主義所認定的要詩意得多，殘留在我們的思想、心靈中有那麼多不曾被理解的符號。... "
想把這麼長的一段文字給打出來，是正好對應了前幾天看到網路的一組拍得不錯的照片...
大城小事 / 第六十三天 ... 找這個例子，可能又要被圍剿了 :p
這樣鉅細靡遺的把一個女孩的一天拍攝下來，它有告訴我們關於除了最後一張裡面的文字表述外，更多關於這個女孩的事情嗎？更何況如果看照片的人看不懂中文字呢？
Tarkovsky這段關於詩的結構，完全透露了系列影像最難看透的地方了 :)
ps.
之後Tarkovsky在場面調度這個主題裡，提到了關於真實死亡的故事...這讓我想到昨晚新聞報導裡，訪問著在台鐵火車碾死工人事件中唯一生存的人。
他這麼說著 - 班長叫他到工程車上拿個板手，他離開鐵軌後看到了火車，對著班長喊說火車來了，班長笑著說，火車不走這條啦！然後，他拿了板手回頭一看，同事們就在他面前被碾了過去。
這個描述讓我很震撼，當事情越真實的呈現時，反而更意味深長...
November 20, 2004
{ option } 系列影像課程筆記 - 02.影像的四層訊息與語意
影像的四層訊息
Ⅰ影像的事實描述
攝影中最讓人覺得理所當然的影像特質，即是記錄下真實（或許這是個誤解...），能將第一層訊息表現的好的，表示攝影者對於呈現真實的景物的意涵，準確的傳達給觀看者。
Ⅱ影像的視覺訊息
包含者影像單獨的視覺元素與各元素之間的結構，屬於美學方面的影像訊息。
Ⅲ影像的符號性意涵
這層的影像訊息著重各種事物在觀看者的認知中所引發的符號的意義與聯想。透過運用符號性意涵的組合，能讓觀看者看到更多的象徵性訊息，引發觀看者更多的自我聯想與觀感。
Ⅳ影像的脈絡性訊息
這層影像的意涵我還沒頓悟，以後補上 :p
>
影像的語意（metaphore）
以往的攝影分類，都是以影像的第一層意義來分類（比如說風景攝影、人像攝影、紀實攝影等...），但當代的攝影越來越重視影像的第三層訊息，甚至於第四層訊息！當要解讀當代的系列影像時，不是要你看到什麼東西？而是要你看到了什麼語意？因此，當要攝影成為一種書寫的工具時，攝影的分類越來越適合用形容詞的語意來分類！
---
plus1. 反光學品質相機的意涵... LOMO與Polaroid
人類發明文字來表達語言時，人類文明開始有著飛躍的進步，而其中一個很重要的區別在於 - 語言是有限的，而文字是無限的，文字能把限制於現實意涵的語言，帶往不會被現實所拘束住的思想描述。
當我們把影像當作書寫的工具來使用時，大部分的人都會侷限於將影像當作語言來使用（由於攝影本身現實性的語意太重，而容易限於表述影像的第一層意義），但一定會有一些方式，能在攝影的視框限制下（視框雖然是種限制，卻也是一種力量），將有限的現實景物，轉化為無限的超現實意涵。
人類有二樣事物是介於有限的現實與無限的超現實之間的，就是人類的MEMORY（記憶）與EMOTION（情感）。如果我們在傳統攝影的要求下（精準的構圖，清楚的對焦，飽和的顏色與銳利的解像力），使用視框去切斷現實而非常逼真的拍攝，會將影像死死的限制在現實裡；如果有一種方法，能將影像變得對焦沒那麼清楚，顏色沒那麼正確，解像力不好或是四周有暗角的話，就能輕易的將影像有現實帶往充滿著想像與情感的非現實當中。而這也正是反光學品質相機（LOMO與Polaroid）所擅長的地方了！
>
my option... 待續
November 12, 2004
{ option } 系列影像課程筆記 - 01.為何需要系列影像？
這是一個不要攝影的時代...
>
影像書寫的發展史
＊單張照片書寫
＊影像散文書寫 Photo Essay -
1950年後由Life與Eugene Smith合作，開始產生Photo Essay的書寫概念確認。
＊連續影像書寫 Photo Sequence -
Duane Steven Michals創造出一種介於攝影與電影之間的書寫手法。
＊專輯式系列影像
以Robert Franks與Diane Arbus為代表，以大量的照片來論述一個主題。
＊矩陣式系列影像
80年代末後產生的一種新的影像書寫方式。
>
第二次世界大戰幾乎是人類大部分文明的一條分界線，攝影也是，第二次大戰前，攝影講求視覺的"美"，第二次大戰後，攝影講求影像的"真"。而對於攝影者而言，隨著世界的複雜化，單張影像所能說的訊息的量明顯的不夠，另一方面，觀看照片的人，在Life的Photo Essay的影像散文裡發現，不同的影像並置，能夠產生於不同於或是更多於單張影像所產生的意涵，因此，促成了系列影像書寫發展的緣由～
>
90年代後，系列影像的書寫，從以線性式為主的書寫方式（影像散文及連續影像），慢慢轉變成以影像的語意為主的書寫方式（專輯式系列與矩陣式系列）。因此關於創作的方式與何時是創作的開始變成一種新的思考方式... 平日累積龐大的訊息資料庫，包含個人拍的照片，剪輯下來的印刷圖片，更甚於用錄音裝置所採集下來的生活聲音，然後依據創作的題目由訊息資料庫裡去組合出一個作品，這樣的影像書寫方式成為一種新的創作方式！而因為數位科技的發達，讓這樣的書寫方式成為可能。
---
plus1. 物理距離與心理距離
這是一個很有意思的提醒！一個拍照者因為他的外表，國籍甚至於他所拿的相機，會有他與被攝體不同的物理距離，因為這樣不同的物理距離，其實會產生不同的心理距離，而產生不同的影像內容。比如一位女攝影師拿一台小型的全自動傻瓜相機，他與被攝者能夠容易的變成非常的靠近，所產生的影像，就會和一位男攝影師使用專業的大型相機拍攝同一個被攝體，所產生的影像差別會非常的大。
因此，老師非常的鼓勵創作者使用不同大小與類型的相機，以獲得更多不同影像風格的素材。
>
reference1. memento mori by Fujiwara Shinya
http://www.fujiwarashinya.com
藤原新也的個人網站裡，有一個memento mori的小專題，裡面的照片是他在十年的流浪生活中，在不同地方拍攝的影像，然後在一個死亡的主題下，去組合出一組影像，來表達關於死亡的想法... 這樣的影像書寫方式，就是這一系列課程所要探討與學習的東西了。
---
{ my option }
我去上攝影課，而老師第一堂課的開場白是：這是一個不要攝影的時代。真是個弔詭又有意思的開頭...
確實，在這個媒體發達的年代，與其說是不要攝影的時代，不如說現在是一個不需要好攝影的時代。當看照片的人已經透過電視龐大訊息量所轟炸的現在，以往那種透過照片認識世界的年代早已遠離，LIFE的停刊見證了攝影的燦爛與沒落，或許，十年後國家地理雜誌也可能走上停刊的地步... 世界都如此了，更何況極度貧乏的台灣呢？
那思考著為何繼續拍照？如何透過新的方式讓看的人重新找到觀看照片的樂趣？這些種種的問題，很值得真心想從事攝影創作的人好好的思考...
一直把關於拍照的直覺與情緒擺在第一，在某個程度上排斥著所謂現代藝術家的自己，大概是覺得是時候去試著瞭解認真做一個創作者（噁心一點來說，當一個攝影家）所要去知道的東西... 瞭解與面對之後，重新去確認拍照與我之間的關係為何？去搜出我想透過拍照去說哪些話？透過拍照去理解我和這個世界是哪一種關係？
透過這個課程，我想，會一再的去重新定義以往對於照片的想法。正如第一堂課程裡面所提到的：系列影像的創作開端，不是開始於你拍照的那一刻，而是開始於你組合照片的那一刻！
過往認為當拍下照片那一刻就是完成創作而所延伸出來的種種信條（某種程度來看是太過於重視所謂攝影的形式所產生的），比如攝影必須是客觀的（其實從你開始取捨構圖時，就已經是主觀的了）、照片是不能後製的（其實真正進過暗房的人都知道，沒有所謂沒有後製的影像）、影像是不可以裁切的（其實這只是布列松個人過於嚴苛的準則）... 這些經常引起舌戰的論點，其實就變得沒多大的意義了！因為，拍照的當時，僅僅是你在收集素材的時刻，當然，拍照的根本還是最重要的，但當你的創作是由組合一群照片開始時，你就會發現，以往認為好照片的準則，有時候會變成是一個障礙，當努力去突破舊有的障礙時，我想，更多有趣的影像就會自然的產生了！
>
老實說，台灣的網路上，幾乎沒有值得花時間去思考的討論，最後還是從老師轉貼過來的主題來給大家看看
裡面有段話，是系列影像的訣竅：
“我們編故事的時候，不是要讓所有最好的照片進來，而是讓那些能成為故事的照片進來。所以，現在要把你的主題記在心上，時刻保持清醒。”
我很喜歡裡面的這段話：
“藝術家不在乎攝影，他們試圖表達；紀實攝影師不在乎攝影，他們在乎立場，做觀念的不在乎攝影，攝影只是一種載體，而搞數碼的就更不在乎攝影了，他們玩的就是感覺。那麼誰還在乎攝影？今天的攝影，是否被徹底結構了呢？”
October 28, 2004
{ option } 系列影像課程筆記 - intro.
八月份的收入，似乎預告著三個月的工作空窗期似的。好一陣子沒有設計的工作了，但心不慌，不過有點煩人的是，關於攝影思考的騷動，思考著攝影對我的意涵為何？
然後，考量了許久，我還是決定去上一堂視丘的攝影課程 - 吳嘉寶老師的「系列影像製作與影像編輯」。會考量許久的原因，在於上這個課程，意味著在某個方面來說，是必須先去否定大部分有著多年攝影經驗的人，他多年下來所累積的攝影觀念與能力。也就是說，去理解目前正流行的影像書寫方式，而這種方式有許多觀點其實是捨棄去強調攝影的界線的...
觀看近年來的攝影藝術發展，會發現觀念攝影的比例與評價不斷的增高。但以我自己的觀點來看，大部分的作品與其說是攝影藝術，不如說是以攝影為媒介的觀念藝術。在這樣的攝影藝術環境之下，攝影這個字眼日益的模糊化，在以往好的攝影法則越來越被淡忘的此時，對於以攝影為創作方式的人而言，去思考著當代攝影的特質與去找尋攝影藝術的本質就顯得非常的重要了！
這個課程對我而言，一方面是去學習著當代攝影的影像書寫方式，但另一方面，卻也是透過去質疑當代攝影的過程，努力的去逼近找尋攝影的本質！
---
reference1. 2004平遙國際攝影節
http://61.218.95.149/gallery/ExhibitionLandscape
吳老師作為策展總監邀請許多策展人，總共策劃出11個展區 - 美國（三個展）、韓國、日本、荷蘭、德國、印度、臺灣（三個展），其中荷蘭的攝影師 Hans Eijkelboom 得到美國的三位策展人選出的最佳作品（http://www.galeries.nl/mnexpo.asp?exponr=16823），而他的作品最能讓我思考著關於觀念攝影這件事情。
Hans Eijkelboom 其實沒有讓我看到所謂攝影藝術的魅力... Hans Eijkelboom 透過大量在街上採集的影像，然後並列著有相似特性的人，來呈現商業社會下人們的共同性。不過，當相機只是作為作品素材的來源工具，所捕捉下來的影像沒有呈現那珍藏下來的一刻時，這算是攝影藝術嗎？或說其實這只是透過攝影這個媒介來創作一個觀念藝術？
或許去界定何者不是攝影，未免視野太過狹隘，也會去限制創作的範圍。不過，我所質疑的是，這樣的藝術作品，如果能用其它的媒介來呈現（比如說VIDEO），而讓觀看者能得到類似的觀感時，這樣的作品是否沒有發揮攝影這個媒介最擅長的事情呢？
ANYWAY... Hans Eijkelboom 的作品讓我思考許多，但我會想再多看一次嗎？甚至把這作品集買回家看嗎？我想不會的，當你瞭解他所要說的事情時，這組影像就變得無趣了，我覺得這也是觀念藝術讓我提不起勁的原因吧 :p