{ myself } 關於綠光 , { option } 純屬偏見

{ option } 關於裁切 - 可裁嗎？

巴吉歐後面那排書，是我的攝影編年史裡重要的攝影書...

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經過對於網路攝影討論區長期的觀察，我發現，經常碰上最不可思議的攝影規則，就是照片是不應該裁切這件事情，拍照應該在觀景窗就完成構圖，事後的裁切表示你的技術不夠，我們經常會看到這樣的論點出現...

在我自己拍照的編年史裡，基本上就是對於攝影規則慢慢放鬆的過程。

這源自於我本身是個典型山羊座的個性使然，對任何事情總是不自覺地去歸納出某種可以遵循的規則，因為有種規則來做事情，可以根據規則來系統化這件事情，做起事情就變得有效率而且容易達成目標。

關於攝影、電影與音樂的興趣培養，我一直是自學的，所以是沒有什麼理論規則來框住我，但我對於攝影的框，來自於我使用的攝影器材所造成的。要談到這原因，就順道來看看我自己的編年史。

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我是從十七歲念大學時開始接觸相機的，從一開始是家裡買給我的Patrica一機三鏡，但決定開始想要學習拍照開始，就從Nikon FM2開始我的攝影編年史。

1> 十七歲到二十一歲 / 大學時期 / Nikon FM2

我想我那個年代，一開始接觸攝影的人，應該有一半都是買Nikon FM2吧？當時沒什麼網路資訊，我也不是念藝術相關的科系，沒有什麼正統攝影訓練的課程與資訊來源，所獲得的攝影知識，大概只有從阮義忠所撰寫的 當代攝影大師 與 當代攝影新銳 這二本書籍，攝影技術是讀者文摘出的 攝影自學指南，最喜歡看的攝影雜誌是日本的 風景寫真，我還有這本雜誌的創刊號喔！

這一段時間裡，我喜歡拍風景，每次放假時，就在陽明山的學校附近亂拍，這時對攝影沒什麼觀點，只是知道自己喜歡風景攝影，但又不是一般的風景攝影，沒有能力探知自己究竟想拍攝怎麼樣的風景。不過，我當時喜歡的攝影家跟一般人不太一樣，我特別喜歡 Manuel Alvarez Bravo 與 植田正治。

＊這是我大學四年內最喜歡的一張照片，FM2+小黑二

我一開始拍照就是拍正片，因為拍正片可以學習準確的曝光，所以很適合我的個性，喜歡追求好鏡頭拍出來的完美畫值。我的每一張正片，都是上片夾後十分完美準確的影像，曝光正確而且構圖不需要格放，歸毛程度到我連FM2的觀景窗不是百分百範圍的誤差，都能先預估然後想像去構圖。這段時間雖然我並沒有受到Bresson的影響（對於攝影大師的喜愛，Bresson在我的排名裡是比較後面的），但因為拍攝正片，讓我自己有要拍照時就要構圖完美的嚴謹習慣。

2> 二十二歲到二十七歲 / 不拍照的時期 / Konica Big Mini

一畢業，我是先去補習托福，考到能申請到美國的電影研究所的托福分數後，就到廣告製片公司工作。當時最想做的是電影導演，所以先從製片開始學起，想說工作一年後，就到紐約念電影，然後回台灣就能從副導演做起了... 但到製片公司工作半年後，我的電影夢就碎了，原因有幾個，但不是這一格的重點。離開製片公司後，就跟剛退伍的學長分租房子，合開了設計工作室、然後回高雄合開設計公司（就是現在很厲害的 minimax 喔），因為不想年紀輕輕就綁在公司裡，又回到台北上班（其中有很棒的Sun Movie），不適應上班族生活又開始了工作室生活。

這段時間基本上都是在做設計的工作，從完全不會設計開始學起，一直都在接觸設計相關的知識。當然不是完全不拍照，只是一年大概還拍不到十捲底片的狀態。

不過這一段時間我碰上了對我最重要的展覽，那就是 郭英聲 回到台灣定居後，在北美館的回顧展。我現在仍然清楚的記得，當時在北美館看了他在峇里島的飯店房間裡，往窗外所拍出的霧景那張照片，我突然知道了，原來我想要拍的風景照片就是這樣啊！我有一個小願望，就是期待碰上一個機會，能把我收藏的那本作品集拿給他簽名 :)

然後，我也發現一位很棒的日本攝影家 - 稲越功一，但可惜的是，他前一陣子過世了，台灣這邊似乎沒什麼人介紹過他。還記得那幾年開始流行多媒體電腦，我還請一位在金馬影展認識的空姐，飛日本線時幫我帶回稻越功一的多媒體光碟（以前趕金馬影展的日子真是令人懷念啊！）

那段時間我開始想要拍攝像 郭英聲 那樣的能表達情感的風景照片，但一直無法嘗試成功，因為一直無法隨身攜帶著FM2加上大顆鏡頭。當時我從Studio Voice用一本專題來介紹Hiromix，知道一位女高中生用傻瓜相機拍照，就得了Canon所辦的 寫真新世紀 大賞，日本就開始流行起用傻瓜相機拍照的風潮。

那幾年各大相機廠都出了高貴的傻瓜定焦相機，我最想要買的是Contax T2，但實在是很窮，所以就買下了外觀有點像，但價格便宜許多的Konica Big-Mini。也是因為我能隨時攜帶著相機，所以慢慢開始能掌握如何用照片表達情感。雖然拍的底片很少，但卻也拍下了自己覺得三十歲前最好的二張照片！

＊三十歲前所拍的照片中，我最愛的二張，都是Big-Mini拍的

不過這時候我的曝光跟構圖也是很精準的，即使Big-Mini只能調整正負一點五格的二種曝光控制，與觀景窗的框準確率非常的低。但我使用傻瓜相機後，開始放鬆了鏡頭畫值要很完美的這個框框了，我發現，拍得到照片比拍到畫值好的照片來得重要許多！

3> 二十八歲到三十歲 / 重新拍照的時期 / Nikon F100 + Fujifilm GA645

做設計做了五年左右，當時還在景氣好的末端，自己大部分的謀生技能都已經熟悉了，而且賺錢蠻容易，開始想要重新拿起相機來好好拍照，所以買了Nikon F100這台自動對焦相機，開始上街拍攝黑白照片（Street Photography絕對是練習拍照最佳的方法，它訓練你觀看、找尋、面對與靠近你要拍攝的東西，也訓練你的技術的反應能力）。

拍攝了一陣子黑白照片後，就到視丘跟 張金日 老師學習黑白暗房，因為當時的工作室離視丘很近，雖然一星期只有一堂的夜間部課程，但我白天有空的時候，還是跑到視丘的暗房去放大照片，真是值回票價了 :)

＊重新拿起相機街拍的練習，這是在西門町街拍後的印樣

而在我步入三十歲之前，我開始了自己第一次的自助旅行（不過也是唯一的一次了），我在2001年的春天進入夏天的時候，到希臘去拍照，帶著GA645加上Big-Mini，與六十捲的底片，整個月的生活，就是散步拍照、聽音樂讀小說、吃著番茄沙拉與烤羊小排的美好日子。

回到台灣後，花了一整個月的時間慢慢沖洗黑白底片、掃描底片與整理照片，慢慢地觀看一整個月所拍攝的東西。也在那時候我開始練習書寫 部落格（做設計之後，幾乎把寫字的能力給埋葬了），嘗試著把以前拍的照片搭上文字，也試著編輯在希臘的照片，確實也有不錯的東西產生！

＊希臘拍的照片喜歡的太多，但多年來一直沒有好好整理過... 一個風景二個顏色。

之後景氣慢慢的變壞，工作也是一陣一陣的，所幸前幾年所存下的一點錢可以支撐著，也就花了許多時間思考攝影的事情。在這個時候我碰上了改變我的一本攝影集，那就是 川內倫子 的 うたたね，一開始我是在Studio Voice裡面看到了她的幾張照片（應該是她剛一次發行三本寫真集的時候），過了一年多後，我才看到一整本的寫真集。

讀了 うたたね 之後，我似乎頓悟了，發現了自己在編輯作品時少了些什麼？但到底是什麼樣的東西，我自己並無法找出來。七八年前，我當時所接觸到的攝影知識，大多是日本雜誌的片段，或是已經去世的攝影大師作品，對於當代的攝影藝術根本是一無所知的狀態！

在重新拍照的這二年多，當自己進入暗房時，才知道，照片的反差、亮度與構圖，都可以在放大的時候調整的，Bresson那套我完全不認同，當時覺得逢Bresson必反的 William Klein 超贊（Studio Voice有一期以他為主角的專題）。雖然我在希臘拍攝的照片仍然曝光與構圖精準，但在拍照曝光時，已經考慮著沖片要如何修正，而在構圖上有些無法迴避的東西（我帶去希臘的二台都是定焦傻瓜相機），我也能考慮往後能如何裁切而按下快門（以往有那種一定要有最完美的構圖，才能按下快門的自我設限）。這個時期得到最多的進步，就是從正片養成的那無謂的框框裡給解放出來！

4> 三十一歲到三十三歲 / 學習攝影藝術的時期 / Pentax MZ-3 + *istD

在碰上 川內倫子 後，我才清楚的知道，我不僅只是想把攝影當作一種業餘的愛好，在我一面找尋攝影的下一階段的入口時，我也開始整理我的相機系統。

在使用Big-Mini拍照後，我開始發現，使用不同的相機（主要是體積尺寸的分別），使用不同的底片（使用黑白負片、彩色負片及彩色正片，你面對底片的想法會不一樣），會影響你拍出來的照片的樣態。所以整理相機系統是我重新出發的第一步。

我先清掉了整個以高畫值考量卻笨重的NIkon系統（FM2 / F100 / 二棵大頭變焦鏡 / 三棵定焦鏡）與GA645，雖然GA645的輕便又大畫面深得我心，但過於銳利（這也是Nikon鏡頭的調性）完美的影像質感已經不是我想要的照片了。當時只是想使用Pentax 67，但因為實在太過於巨大笨重，我就想先買台Pentax的135規格的一機一鏡來暫時使用，不過，當我一使用Pentax MZ-3加上FA 35mm之後，我就找到了完全屬於我的鏡頭了！

使用Pentax之前，關於彩色照片的色彩，我一直沒有思考過這個問題。雖然驚艷於 川內倫子 的色彩，但因為不是自己的照片，並沒有認知到 色調 這件事情是多麼重要的一件事情。而當我以FA 35mm這棵鏡頭拍攝我習以為常的主題後（當時已經在拍 散步寫真 系列），正片透過燈箱所發出那清晰卻不銳利、清淡透明的影像，我才發現 色調 對於一個彩色攝影的作者是多麼重要的一件事情。

＊這張照片讓我確切的了解到，什麼樣的色調是屬於 我的顏色，使用正片及FA 35mm。

當我使用Pentax拍攝 散步寫真 後，我發現了視丘的一堂課程 - 系列影像製作與影像編輯。吳嘉寶 老師的這堂課程給我一種全新的攝影觀念，而這些觀念正是我從川內倫子的照片裡看到，卻自己無法參透的觀念。在上這堂課程的半年當中，我好像回到學校似的，每個星期就為了上課的那個晚上，而花上好幾天來準備作業，透過一次一次的作品編輯與修正，慢慢開始理解影像的語意，開始讀懂川內倫子的祕訣，開始解析自己的創作意圖。在這段課程裡，老師對於 Robert Franks 的 The Amercian 解析對我幫助非常的大，而在這期間也發現了 Wolfgang Tillmans。

在從希臘回來這三年間，極少的工作收入與之前存的不多的錢也用得差不多了，我開始思考到底是要做一位職業攝影師？或是原來的平面設計師呢？學習攝影藝術這三年，我開始將攝影放到我的人生思考裡（之前都僅僅是一種興趣罷了），而開始使用數位單眼相機 *istD，也讓我意識到我是認真的想要做攝影這件事情。

為何說數位化這件事情讓我認真了起來呢？在台灣想以彩色攝影為創作媒材是一件困難的事情，因為你無法精準的控制印相的色彩，另一個重要的因素，就在於拍攝照片的數量。如果你不是專業的創作者的話，你不太可能有時間與金錢拍攝夠多的量，也不太可能自己進去彩色暗房放大照片。而使用數位單眼後，我第一年拍了一千張左右，它解放了我對於拍照所有的框框了。我一個場景可以拍上十幾二十張，只為了抓取那微妙的瞬間變化（這對於拍攝情感的照片，那種微妙的區別非常的需要）；我可以完全不看觀景窗隨手亂拍與拍攝手晃的照片（因為不會因為覺得底片可惜而放棄拍攝）；我可以不受色溫的影響，在電腦上隨意的修正那微妙的色彩變化。

＊因為使用RAW檔後製，所以可以修正至最美的色溫，與先曝光不足然後調亮來確保亮部細節，使用*istD。

正因為我能拍攝大量不同的照片，精準的控制我的照片色彩，再加上 吳嘉寶 老師的課程，我發現了自己清晰的一條攝影的路，除了對於設計工作的搖擺之外...

5> 三十四歲到三十六歲 / 踏入攝影藝術家的時期 / Pentax K10D + Pentax 67

在上完吳嘉寶老師的課程後，我一直就煩惱著攝影與設計的抉擇。也在同時間，吳老師詢問我有沒有意願參加韓國的 東江攝影節 的徵選，我因為這個契機，才真正創作了自己的第一件作品 light memory，雖然那年沒有機會參加 東江攝影節，但我的作品讓韓國的策展人留下了印象，有機會參與了隔年的 中國台灣現代寫真作家招待展。

2006年，我才開始自己的第一個聯展。覺得自己是幸運的，因為一起聯展的竟然有 許哲瑜 與 王寧德，這二位都是我覺得非常厲害的藝術家。不過這個時候，也碰上了我做一個重要抉擇的時間點。

在快要進入三十五歲時，當時的大學同學兼室友（也是設計SOHO），下了決定要去上海工作，這時我才驚覺，自己真是打混太久啦，我們已經進入人生的另一個階段，一種往下坡而不容易轉彎走的路了。思考了許久後，我決定作一位專業的書籍設計師與業餘的攝影藝術家。我是這麼想的，關於設計工作，如果書籍設計做不下去，我就想轉行賣電腦也沒關係，但拍照是一定會繼續下去的。

2007年開始我把全部商業設計的案子停掉，借了筆貸款，為只接書籍設計做準備。因為自己進入太晚，台灣已經有幾位有名的書籍設計師，剛開始的時候真是辛苦，但我仍然開始做新的作品，一個是延續 light memory 的概念，做了 being weak 系列作品，另一方面也開始嘗試著跟我以往作品的表現方式完全相反的 pianissimo。幸運的是，我因為 being weak 得到了 台灣攝影藝術新人獎 的優選，也加強了自己作品的信心。

2008年後，我的書籍設計工作慢慢進入狀況，工作也多了起來，但一整年拍的照片少之又少（我換了K10D後，扣掉攝影工作所拍的照片，竟然沒超過三百張），不過這一二年對我的設計工作算是重要的時期，比起其他有名的書籍設計師，我大了他們五歲，再不努力點，過幾年就會被送入歷史的山洞了吧 :p

不過，幸運又降臨到我身上，因為在攝影新人獎認識了 李佳祐，所以有機會參與田園城市所企劃的 色相環 書籍與聯展，雖然書籍最後沒有成真，但能夠在VT這個台北當代藝術重要的藝廊裡展覽，仍是非常的感動。

在這三年裡，有三個聯展，對於我這樣懶散的創作者而言，真是非常的幸運。也透過這三個聯展，發現了自己在攝影上不足的地方，比如對於藝術史、攝影史與其他學科的閱讀還太過於薄弱。而在VT的聯展，更深刻的覺得，當作品要標上價格時，才發現作品的輸出品質並沒有達到一位專業藝術家所必要的水準，這讓我想到在攝影新人獎的頒獎研討會，黃建亮 老師所提出的，我們這一代攝影創作者的問題，在於我們沒有看過所謂好的彩色照片的品質為何，所以也就不知道對自己作品的品質要求，要到怎麼樣的程度。

在進入這段時期後，雖然有許多攝影的技術還要學習（比如我使用從Hasselblad 500 C/M到Pentax 67拍攝 pianissimo 系列，一直無法進入狀態），但發現，學習攝影最重要的，是你必須習慣於用攝影的方式來觀看你的生活，即使你身旁沒有相機，你沒有做按下快門那個動作。

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還是上個星期以前，我都不知道自己竟能被稱為攝影家，直到讀了策展人 黃亞紀 的文章 - [評論] 由70後攝影創作者所見台灣攝影趨勢，雖然只出現一下下，但仍感到非常的欣慰 :)

如果問我，三十七歲的現在對於自己的攝影之路有什麼期待？我想，自己應該沒法成為一位專業藝術家（這年紀才起步實在太晚），但期待著能學習 Eugène Atget，即使沒有被人看見，還是相信著自己，每天持續地一直拍照到老，那真的是一種完美的創作狀態。

回頭這樣觀看自己的攝影編年史，竟然已經二十年了，實在是個恐怖的數字。巧的是，現在iPod Touch播放著，正好是我十七歲時最愛專輯的歌曲 - The Language of Life by e.b.t.g。

離題真的不是普通地遠，不過我還蠻愛離題的 :p 我想說的是，所謂能不能裁切這件事情，對於未成熟的攝影者而言，不應該是個問題！就跟能不能後製一樣，根本是個不需要設限的框框！

能不能裁切，代表著某一種對攝影的信仰，Bresson的信仰，只是一大堆攝影大師之一的信仰罷了。當然你可以選擇信仰Bresson，但我仍是建議，你先放開不能裁切這個框框，等到你已經成熟到能發展自己的攝影觀念時，再來選擇你要不要裁切這件事情。

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最後的最後，為何我要在上一格放上Coyote月刊的The American專題？

答案就在下面這張照片，雜誌裡特地比較 Robert Franks 在 85/69/59 三個不同版本的 The Amercian 裡，同一張照片不同的裁切。連大師都裁得這麼誇張，你還堅守什麼不裁切的規則呢？更何況，對影像有想法的人，才會知道不同年紀的自己，其實會裁出不同樣子的照片的！

Posted by ricky at April 11, 2009 11:26 AM | 引用 (0)